World Press Photo 2019

Brent Stirton, Getty Images. "Akashinga - the Brave Ones".

La Fundación World Press Photo acaba de anunciar los autores y trabajos nominados del World Press Photo 2019, el concurso de fotoperiodismo más prestigioso del mundo. El anuncio incluye los autores nominados del Concurso de Fotografía (World Press Photo 2019 Photo Contest) -43 nominados de 25 países- y del Concurso de Narrativa Digital (World Press Photo 2019 Digital Storytelling Contest) -9 nominados de 9 países-.

El Concurso de Fotografía 2019 ha contado con la participación de 4.738 fotógrafos inscritos, de los cuales 894 han sido mujeres -un 18,75% más que en la pasada edición-, y 78.801 imágenes. Entre los autores participantes, 213 son españoles.

Entre los 43 nominados -14 mujeres y 29 hombres-, 24 están nominados por primera vez, mientras que 19 ya lo han estado en otras ediciones. Además, y por primera vez, una mujer, la autora franco-española Catalina Martin-Chico, forma parte de los 6 nominados al World Press Photo del Año. 

El World Press Photo ha presentado los 6 nominados a la fotografía del año (World Press Photo of the Year) y, por primera vez, los 3 nominados a la mejor reportaje gráfico del año (World Press Photo Story of the Year). La Fundación apuesta por los trabajos con narrativa, más allá de la fotografía de impacto. Además, los 3 nominados de las 8 categorías del concurso de fotografía: temas contemporáneos, medio ambiente, temas de actualidad, proyectos a largo plazo, naturaleza, retratos, deportes y noticias de actualidad.

El jurado también ha anunciado por primera vez los nominados del Concurso de Narrativa Digital 2019 que ha contado con la participación de 300 producciones inscritas, y que incluye 3 nominados al mejor proyecto interactivo -una historia visual con fotografía y/o video combinado con animación, ilustración, sonido o texto- (World Press Photo Interactive of the Year) y los 3 nominados al mejor video en línea del año (World Press Photo Online Video of the Year). Las categorías del concurso de multimedia son interactivo, formato largo y corto.

Los ganadores del World Press 2019 se harán públicos el próximo 11 de abril en la gala de entrega de los premios que se celebrará en Amsterdam en el marco de la tercera edición del World Press Photo Festival.

https://www.worldpressphoto.org/programs/contests/photo-contest/28569

Phillip K. Smith III

El artista de luz estadounidense Phillip K. Smith III (b. California, 1972), conocido por sus instalaciones a gran escala y sus obras de arte sublimes, presenta Portals: A Space for Color, a la vista en el Museo del Valle de Sonoma. Arte del 19 de enero al 7 de abril de 2019.

Para esta exposición, la primera del artista en Sonoma, Smith instaló tres "Portales", creando un ambiente inmersivo dentro de las galerías del museo. Cada obra de arte, originalmente parte de un pabellón de luz monumental de 85 metros de diámetro, investiga la relación entre luz, forma, superficie y percepción, un tema explorado de manera rigurosa e inventiva a lo largo de la serie Lightworks de Smith, en la que el artista pinta un trío altamente específico. Lienzo dimensional con luz a lo largo del tiempo.

En Portales: Un espacio para el color, elabora cada selección de color, ubicación y ritmo de cambio para evocar una sensación de respiración dentro del trabajo. A medida que la luz reflejada atraviesa grandes superficies blancas opacas, curvas, la experiencia espacial cambia desde cada uno de los portales en función de la combinación de colores elegida por Smith, lo que a veces le da al espectador la sensación de alejarse o tirar hacia la pared.

Cada obra está destinada a adaptarse al espacio del museo en el que se muestra, fusionándose con la luz ambiental cambiante. Durante el día, los colores se fusionarán con la luz del sol, creando más relaciones de luz y sombra en colores pastel, mientras que durante la noche, los colores se saturarán y parecerán flotar a medida que envuelven el espacio circundante.

La investigación conceptual y multidimensional de Smith sobre la luz, el espacio, la forma y el entorno profundiza una comprensión más profunda de la percepción, y como él afirma, "estas obras nos hacen alejarnos de nuestro patrón, nuestra vida, nuestro trabajo, nuestros recados y nuestra conversaciones y nos permiten ver la belleza sublime cambiando y cambiando ante nuestros ojos ". Su trabajo de disolución de límites a menudo se ha comparado con el de sus predecesores James Turrell y Robert Irwin, los pioneros artistas de la Luz y el Espacio de California aclamados por sus innovadoras instalaciones y radicales. que enfatizan la experiencia del espectador, así como la del artista Kenneth Noland y Constantin Brancusi, de Color Field, aclamado por sus esculturas sensuales y cautivadoras.

Después de crecer en el Valle de Coachella en el sur de California, Phillip K. Smith III recibió su Licenciatura en Bellas Artes y Licenciatura en Arquitectura en la Escuela de Diseño de Rhode Island. Desde su estudio en Palm Desert, California, crea un trabajo basado en la luz que se basa en ideas de espacio, forma, color, luz + sombra, entorno y cambio.

Presentado en cientos de publicaciones impresas y en línea, Phillip es conocido por crear instalaciones temporales a gran escala como Lucid Stead en Joshua Tree, Campo de reflexión y portales en el Festival de Música y Artes de Coachella, ¼ Mile Arc en Laguna Beach, El Círculo de la Tierra y el Cielo en la exposición inaugural del Desert X 2017, y Open Sky en el Salone del Mobile, Milán en 2018. Muchas de estas instalaciones aparecen en su último catálogo titulado "Cinco instalaciones" publicado por Grand Central Press. Sus obras de arte públicas están ubicadas en Los Ángeles, San Francisco, Kansas City, Nashville, Oklahoma City y más allá; y el artista recientemente recibió el encargo de crear obras permanentes basadas en la luz para las ciudades de West Hollywood, CA y Bellevue, WA. El trabajo del artista también se incluye en la exposición actual Unsettled organizada por el Museo de Arte de Nevada y el artista Ed Ruscha, y en el catálogo de la exposición que lo acompaña.

https://www.pks3.com

http://artdaily.com/news/110700/The-Sonoma-Valley-Museum-of-Art-opens-exhibition-of-works-by-American-light-artist-Phillip-K--Smith-III-

Art Stage Singapore cancela la edición 2019 una semana antes de su apertura

La novena edición de Art Stage Singapore, el evento de arte contemporáneo más importante de la isla, se canceló una semana antes de la inauguración de la feria. La medida fue un shock para la mayoría de los expositores de la feria, que ahora están luchando para encontrar otros lugares para las obras de arte que ya se han enviado a Asia.
Un correo electrónico que el fundador y presidente de Art Stage Singapur, Lorenzo Rudolf, envió a los expositores decía:
 "Lamento tener que informarle que como presidente de Art Stage Singapur, me veo obligado a detener de inmediato los preparativos para Art Stage Singapore 2019 ( Del 24 al 27 de enero) y para cancelar la feria ". Rudolf agregó:" Las circunstancias dadas, sobre las cuales le informaremos en breve, desafortunadamente no dejamos otra opción ".
Mientras ArtAsiaPacific informa que los rumores sobre si la feria se realizaría desde diciembre de 2018, Art Stage Singapore emitió un comunicado de prensa el 1 de enero que contenía información sobre la feria, incluidos precios de boletos, horarios y detalles sobre los proyectos programados. Incluso el director de la feria, Marcus Teo, se quedó en la oscuridad. Le dijo a Business Insider que también estaba esperando escuchar las razones detrás de la cancelación.
Muchos expositores respondieron a la noticia con indignación, mientras que otros expresaron su decepción. El director de la galería Marc Straus, Ken Tanian , dijo al Straits Times que la compañía ya había invertido una suma de "cinco cifras" en la feria. Si bien la galería puede recuperar algunos de los costos a través del seguro, no habrá ninguna compensación por el tiempo dedicado a la preparación del evento y la pérdida de ventas potenciales. Añadió que la galería viajará a Singapur según lo planeado para reunirse con los coleccionistas y, con suerte, organizar una exposición emergente allí.
En un intento por ayudar a las galerías a descubrir su próximo movimiento, el grupo de Facebook Art Stage SOS está conectando a los expositores con galerías locales y otros miembros de la comunidad artística de Singapur. Desde su creación, varios lugares han puesto a disposición sus espacios, entre ellos Chan + Hori Contemporary, Telok Ayer Arts Club, Addicted Art Gallery y Team Poetry.
Establecido en 2011, Art Stage Singapore está respaldado por la Junta de Desarrollo Económico, la Junta de Turismo de Singapur, la Junta de Patrimonio Nacional y el Consejo Nacional de las Artes, y ha sido dirigido por Rudolf, ex director de Art Basel.
En una entrevista con el South Morning China Post el año pasado, Rudolf expresó consternación ante los reducidos números de la feria. En 2017 participaron 131 galerías; Al año siguiente el número de expositores cayó a noventa y siete. Este año, solo cuarenta galerías alquilaban cabinas. "El fuerte crecimiento económico ha llevado a la apertura de muchas galerías y museos privados en Filipinas, Indonesia y Tailandia", dijo Rudolf. “En todas partes, la escena artística está en auge. El único lugar donde tenemos estancamiento es Singapur ".
Si bien el número de expositores en la feria ha disminuido, para Daryl Goh, fundador de NPE Art Residency, que tuvo un stand en la feria, la industria es "orgánica". "No faltarán oportunidades de arte para artistas y artistas. público ".

https://www.artforum.com/news/art-stage-singapore-cancels-2019-edition-one-week-before-opening-78328

Grey Flag 2018-2019. Palimpsesto

 

Desde el lenguaje del arte y desde el cómic, Artium propone un acercamiento a obras maestras de la Historia del Arte. El proyecto alternará a lo largo de este recorrido, conviviendo entre ellas, las propuestas de los autores de uno y otro campo desde la práctica del apropiacionismo. Un tipo de diálogo que —por principio— cuestiona, valora, analiza y/o, critica la herencia cultural recibida. La controversia ha acompañado a esta práctica que choca con nuestro sistema de saber colectivo…, la visión romántica del autor, el genio individual, la propiedad, el sistema de validación del arte, la institución o la propia explotación económica, y propone a cambio un diálogo abierto con la historia regenerando semánticamente esas imágenes. Una práctica que tiene que ver con ofrecer vectores de resistencia a las formas constituidas de poder. 

Artium Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo hasta Julio de 2019

http://www.artium.org/es/explora/exposiciones/item/60790-grey-flag-2018-2019-palimpsesto

Color x color

 

Thomas Blanchard es un artista visual francés que experimenta con pigmentos y colores en movimiento grabados en tiempo real, consiguiendo interesantes efectos pictóricos.

 https://www.thomas-blanchard.com/Accueil.html

Whinnie-the-pooh: Exploring a classic:
Es el título de una exposición que se puede ver en el Museo de Bellas Artes de Boston hasta enero del próximo año. El conocido cuento ilustrado para niños publicado por primera vez en 1926 y traducido a más de 50 idiomas, con uno de los personajes infantiles más conocidos del mundo. Esta exposición muestra el desarrollo del personaje y su expansión internacional de los textos originales de A.A. Milne y las ilustraciones de E.H. Shepard a través de 200 archivos del Victoria and Albert Museum. Dibujos originales, cartas, fotografías, primeras ediciones, juguetes y todo tipo de objetos de este clásico de la literatura infantil y de todos los personajes asociados.

https://www.mfa.org/exhibitions/winnie-the-pooh

AWAZU KIYOSHI

Cartel para la Exposición de Escultura Contemporánea Japonesa (1973)LACMA; Los Angeles


El diseñador gráfico japonés Awazu Kiyoshi (1929-2009) desarrolló un estilo propio basado en la tradición del grabado japonés pero evitando la simplicidad y la limpieza de las líneas, dando rienda suelta a un barroquismo psicodélico de color y composición.
Nacido en Tokio y autodidacta, comenzó su carrera creando carteles de cine y teatro, colaboró con arquitectos y diseñadores urbanos y abordó temas sociales en su trabajo. Su estilo tiene elementos que recuerdan el arte pop pero con un uso de color y estética muy personal.
Las obras de Awazu son complejas para un público no familiarizado con sus motivos y símbolos, pero también alegres y atractivas, con composiciones muy originales para el espectador occidental.

DART FESTIVAL. Barcelona

Alberto Garcia Alix. La Línea de la Sombra (2017)

Dart, el primer festival de cine documental sobre arte contemporáneo, anuncia la programación de su segunda edición que se celebrará del 29 de noviembre al 2 de diciembre en Barcelona.
El festival programa 11 documentales, 5 estrenos nacionales y 2 en Barcelona, sobre arte contemporáneo, fotografía, comisariado de arte, activismo y arquitectura, y se fija en los artistas, sus procesos de creación y las historias que hay detrás de sus trabajos.

La Sección Oficial contará con la película sobre Alberto García-Alix filmada por su amigo, también fotógrafo y colaborador Nicolás Combarro; el estreno en salas del documental que Isabel Coixet hizo sobre el artista chino Cai Guo-Qiang, el primer artista vivo en exponer en el Museo del Prado; un documental sobre Salvador Dalí con la casa de Portlligat como hilo conductor; un documental de Lisa Immordino Vreeland sobre el fotógrafo, escritor y pintor Cecil Beaton; una película sobre la artista japonesa Yayoi Kusama, y los estrenos nacionales de MEGALODEMOCRAT, sobre el artista tecnológico Rafael Lozano-Hemmer y Hockney, sobre el imaginario del artista vivo británico más importantes de la historia del arte.

Como novedad, Dart inaugura su nueva Sección Especial dedicada al 50 aniversario del Arte Povera con una conferencia del comisario y crítico de arte Germano Celant, considerado el padre del movimiento, y el pase de tres documentales sobre Marisa Merz, la única representante femenina del movimiento, Pino Pascali y Michelangelo Pistoletto.

https://www.dart-festival.com/

16 FRIEZE ART FAIR, LONDON

 

La decimosexta edición de Frieze London y la séptima edición de Frieze Masters se abren al público el viernes 5 de octubre, con días de vista previa el 3 de octubre y el 4 de octubre. Con 160 galerías de todo el mundo, Frieze London contará con una nueva Obra Social En la sección, la presentación de nueve artistas de obras interactivas y basadas en performance para Live; y un nuevo premio de Artista Emergente en colaboración con Camden Arts Center.
Regresando a Frieze London hay una veintena de galerías internacionales que han participado desde el inicio de la feria en 2003, incluyendo Galerie Gisela Capitain, Gagosian, Greene Naftali, Hauser & Wirth, Lisson Gallery, Galerie Thaddaeus Ropac, Salon 94, Sprüth Magers, White Cube, y David Zwirner. Otras galerías participantes incluyen Marian Goodman Gallery, kurimanzutto, Matthew Marks Gallery, kamel mennour, Pace Gallery, Esther Schipper y The Box. Junto a ellos se exhibirán varios lugares que harán su debut en la feria: Xavier Hufkens, Galerie Lelong & Co. y Galleri Nicolai Wallner. 
Presentando a las mujeres artistas que desafiaron el status quo y exploraron las posibilidades del activismo político en su creación artística durante los años 80 y 90, el Trabajo Social destacará el trabajo de artistas como Nancy Spero de los Estados Unidos, Berni Searle de Sudáfrica, Ipek Duben. de Turquía, y Helen Chadwick del Reino Unido.

Este año se unirán a la feria varios curadores nuevos, entre ellos Diana Campbell Betancourt, que organizó la sección de Proyectos de Frieze, que incluye Live, Film y el Frieze Artist Award. Además, Andrew Bonacina, curador jefe de Hepworth Wakefield, y Laura McLean-Ferris, curadora del Swiss Institute en Nueva York, asesoraron a galerías emergentes en Focus y Matthew McLean, editor senior de Frieze Studios, y Lydia Yee, curadora jefe de Londres. Whitechapel Gallery, sirvió como co-programadores de Frieze Talks.
La plataforma en vivo de Frieze presentará actuaciones e instalaciones interactivas que exploran fórmulas ocultas que impactan realidades sociales, políticas y económicas más amplias, como la performance de danza interactiva de Liz Glynn, que responde a los datos en vivo en la feria; Los guardias de seguridad y la instalación de vigilancia de Julia Scher; y el intercambio de moneda falsificada de Pratchaya Phinthong, que revela el valor que la política otorga a las personas. El ganador del Frieze Artist Award, Alex Baczynski-Jenkins, también presentará una actuación en relación con la relacionalidad queer y la política del deseo.
Frieze Talks explorará el papel de la autobiografía en el arte con participantes como Laurie Anderson, Nan Goldin, Kemang Wa Lehulere y Olivia Laing; y Frieze Film cuestionará los medios naturales, tecnológicos y psicológicos de comunicación y control masivo con nuevos trabajos de Paul Pfeiffer, Lucy Raven y el colectivo con sede en Londres The Otolith Group.
La feria también lanzará su Premio al Artista Emergente Camden Arts Center, que ofrecerá a un artista emergente que participa en la sección Focus de la feria la oportunidad de montar una exposición en el Camden Arts Center de Londres. El ganador inaugural será seleccionado por un panel compuesto por Martin Clark, director del Camden Arts Center; Gina Buenfeld; Sophie Williamson, curadora de programas y exposiciones en Camden Arts Center; y Joe Hill, director de la galería de arte Towner del Reino Unido.

https://www.artforum.com/news/frieze-london-opens-friday-76941

Robots Pintores

El concurso Robot Art tiene como objetivo combinar el arte y la tecnología a través de proyectos robóticos que sean capaces, precisamente, de crear piezas de arte. En esta, su tercera edición, se presentaron 100 pinturas pertenecientes a 19 equipos de todo el mundo, cada uno mostrando diversas técnicas, algoritmos, sistemas y enfoques, donde la inteligencia artificial fue la gran ganadora.
Los ganadores fueron seleccionados por una combinación de votación pública en Facebook, así como la opinión de artistas, críticos de arte y tecnólogos. Se repartieron 100.000 dólares entre los diez primeros lugares, siendo el primer puesto el ganador de 40.000 dólares.
El ganador de la edición de este año de RobotArt no ha sido para una universidad, sino por primera vez ha sido para una persona, que se ha dedicado los últimos años a desarrollar y fabricar un "robot artista" basado en inteligencia artificial. Se hace llamar CloudPainter y es una creación del estadounidense Pindar Van Arman.
Van Arman desarrolló algo que bautizó como "sistema de arte generativo autónomo", el cual permite que el robot use uno o más brazos, así como redes neuronales y machine learning, para que sea capaz de crear obras de arte de acuerdo a las técnicas con las que ha sido entrenado.
Gracias a esto, CloudPainter es capaz de dibujar obras con diversos grados de abstracción, todo de forma autónoma. Para aquellos interesados, tanto el código fuente como los modelos 3D para CloudPainter están disponibles en la web de proyecto, y su creador es todo un entusiasta enfocado en hacer crecer este proyecto a través de charlas donde explica su filosofía y metodología.

Cosmismo Ruso, nuevo libro

El cosmismo surgió en Rusia antes de la Revolución de Octubre y se desarrolló a través de las décadas de 1920 y 1930; como el marxismo y la vanguardia europea, otros dos movimientos que compartieron este momento intelectual, el cosmismo ruso rechazó lo contemplativo por lo transformador, con el objetivo de crear no solo arte o filosofía nuevos, sino también un mundo nuevo. El cosmismo fue más allá en sus visiones de transformación, llamando al fin de la muerte, a la resucitación de los muertos y al movimiento libre en el espacio cósmico.
El cosmismo fue desarrollado por el filósofo ruso Nikolai Fedorov a fines del siglo XIX; creía que los humanos tenían una obligación ética no solo de cuidar a los enfermos sino de curar la muerte usando la ciencia y la tecnología; el espacio exterior era el territorio de la vida inmortal y de los recursos infinitos. Después de la revolución, una nueva generación persiguió la visión de Fedorov. Las ideas cosmistas inspiraron a artistas visuales, poetas, cineastas, directores de teatro, novelistas (Tolstoy y Dostoievsky leyeron las obras de Fedorov), arquitectos y compositores, e influyeron en la política y la tecnología soviéticas. En la década de 1930, Stalin anuló el Cosmismo, encarceló o ejecutó a muchos miembros del movimiento. Hoy, cuando la imaginación filosófica se ha enredado de nuevo con la imaginación científica y tecnológica, las obras de los cosmistas rusos parecen nuevamente relevantes.
 

https://mitpress.mit.edu/books/russian-cosmism?utm_source=bookforum&utm_medium=onlinedisplay&utm_campaign=groyss18

Basel 2018, Parcours

Parcours: 23 obras de arte específicas para ser presentadas en el mayor Área de Münsterplatz
Comisariada por tercer año consecutivo por Samuel Leuenberger, Parcours este año presenta 23
obras de arte específicas en el centro histórico de Basilea.
El sector contará con el trabajo de Silvia Bächli y Eric Hattan, Nina Beier,
Bourwn, Julian Charrière, Keren Cytter, Simon Denny, Elmgreen y Dragset, Georg
Herold, Pierre Huyghe, Hilary Lloyd Mark Manders, Caroline Mesquita, Marina Pinsky,
Julian Rosefeldt, Nedko Solakov, Simon Starling, Jessica Stockholder, Thomas Struth, Paloma Varga Weisz y Hannah Weinberger.

El sábado, 16 de junio, Parcours Night presentará una vez más un especial programa de actuaciones en vivo con horario ampliado de Parcours y de algunos de los principales museos de Basilea. Art Basel, cuyo socio principal es UBS, toma lugar en Messe Basel del 14 de junio al 17 de junio de 2018.
Desde el 11 de junio, Parcours este año  titulado 'Contando historias para el futuro', la
exposición abarcará presentaciones en público y lugares privados que abrirán exclusivamente
para Parcours, así como colaboraciones con Museos de Basilea, fomentando encuentros sociales y geográficos alternativos con la ciudad. A través de un enfoque en la narración de historias,
Samuel Leuenberger
, Director y Curador de SALTS en Birsfelden, Suiza, tiene como objetivo cultivar puntos en común y pensamiento aliado a través de los límites sociales, geográficos, étnicos, económicos y ecológicos.
Los puntos destacados incluyen
Thomas Struth
's' Animals '(2018), una serie de 10 fotografías sobre animales.
Instalado en el Erste
Kirche Christi, el trabajo se extraerá de sus imágenes recientes de científicos y quirúrgicos
entornos, así como la historia de memento mori en el arte. Un programa de música en vivo,
elegido por Struth en colaboración con  Frank Bungarten.
. Instalando 10 sistemas de sonido en las alcantarillas de Basilea.
Hannah Weinberger creará un misterioso paisaje sonoro disperso por la ciudad que invita al público a sintonizar una nueva experiencia de la ciudad.
'Exomind (Deep Water)' (2017) presenta una figura femenina agachada con una colmena creciendo
de su cabeza. La colonia de abejas que vive dentro de la colmena polinizará el entorno floral
en el jardín de la Allgemeine Lesegesellschaft Basel.

Nuevo museo OCMA en Los Angeles

El pasado 31 de mayo se presentó el proyecto del nuevo edificio del Orange County Museum of Art (OCMA), que se ubicará en el Segerstrom Center for the Arts en Costa Mesa, al sur de Los Angeles. El proyecto ha sido creado en el estudio Morphosis, dirigido por el arquitecto ganador de un premio Pritzker Thom Mayne. Ampliando el legado del museo de enriquecimiento comunitario y presentación de arte moderno y contemporáneo de artistas arraigados en el sur de California y la Cuenca del Pacífico, el nuevo hogar de OCMA se definirá por una presencia urbana abierta y atractiva dentro del mayor centro de arte y cultura del condado de Orange. La construcción del nuevo edificio tendrá lugar en 2019, con una apertura prevista en 2021. OCMA cerrará su ubicación en Newport Beach el 17 de junio, después de una historia celebrada de 41 años en su ubicación actual. Las exhibiciones temporales y los programas se presentarán a partir de este otoño en un espacio de la galería en South Coast Plaza Village en Santa Ana. Morphosis fue seleccionado para diseñar el nuevo edificio de OCMA luego de un proceso de planificación de varios años y búsqueda internacional.

https://www.morphosis.com/news

El triunfo de la Muerte de Brueguel restaurado

El proceso ha permitido recuperar los valores originales de la obra que estaban afectados negativamente por la presencia de repintes y barnices coloreados en la capa pictórica y un sistema de engatillado que impedía el movimiento natural del soporte de madera.

 El triunfo de la Muerte de Pieter Bruegel el Viejo ha sido intervenida en uno de los procesos más importantes de restauración que ha llevado a cabo durante el último año dentro del programa patrocinado por la Fundación Iberdrola España como miembro Protector del mismo. La obra, procedente de la Colección Real, ha sido hasta 2011 -fecha en la que ingresó en el Museo del Prado El vino de la fiesta de San Martín- la única pintura del artista que se conservaba en España.  Se trata de una obra moralizante que muestra el triunfo de la Muerte sobre las cosas mundanas, reproduciendo un tema habitual en la literatura del medievo e influenciado por el Bosco.

La intervención sobre esta excepcional obra, realizada por Mª Antonia López de Asiain (capa pictórica) y José de la Fuente (soporte), ha permitido recuperar su estabilidad estructural, su verdadero colorido, composición y su técnica pictórica de fuerte personalidad que con movimientos precisos de pincel consigue transparencia en los fondos y prodigiosa nitidez en los primeros planos.

https://www.museodelprado.es/actualidad/noticia/el-museo-del-prado-expone-el-triunfo-de-la-muerte/921e6d27-cd0d-4dea-749a-9b22148e5a52

Michael Jackson on the wall

 Isa Genzken, Wind (Michael/David), 2009

El impacto que Michael Jackson ha tenido en la cultura pop y en el arte en las últimas décadas del siglo XX hasta su muerte en 2009 va a ser analizado por una exposición en la National Portrait Gallery de Londres . Los ecos de larga duración de sus videos musicales y de sus selecciones estéticas, fueron tan exitosos que tendemos a pasar por alto cuán vanguardistas eran en ese momento. Esta exposición en la National Portrait Gallery, que incluye el trabajo de más de cuarenta artistas, que van desde Andy Warhol a Isa Genzken, debería ayudar a explorar el impacto artístico de Jackson y arrojar luz sobre aquellos influenciados por el cantante, que es, según la institución, "la figura cultural más representada en el arte visual". Viaja al Grand Palais, París, noviembre de 2018-febrero de 2019; Bundeskunsthalle, Bonn, marzo-julio de 2019; y el Museo de Arte Moderno de Espoo, Finlandia, agosto-noviembre de 2019.

Del 28 de junio al 21 de octubre en la National Portrait Gallery 

Exposición comisariada por Nicholas Cullinan

ARCO LISBOA 3ª EDICIÓN

IFEMA y el Ayuntamiento de Lisboa se unen para llevar a cabo ARCOlisboa 2018, entre el 17 y el 20 de mayo próximo. Esta tercera edición será una celebración del arte contemporáneo portugués en diálogo con propuestas interesantes internacionales; una experiencia única de la historia, la arquitectura y la luz de la ciudad.

El descubrimiento de nuevos artistas, nuevos lugares y nuevas personas, es un importante motor de ARCO y en ese sentido, ARCOlisboa, ofrecerá este año más que nunca, novedades para todos los públicos.

 El horario de apertura al público en los días 17 a 19 de mayo será de las 14 a las 21 horas y el día 20, de las 12 a las 18 horas. Esta nueva edición representa una consolidación del proyecto y esta confianza le permite aumentar su oferta galerística para un total de 71 propuestas de 14 países, lo que representa un aumento del 22,5%.
Este crecimiento se verá reflejado en nuevos contenidos como los proyectos individuales de artistas que, por primera vez, van a ocupar la Torre Oeste y presentar el trabajo de artistas portugueses e internacionales en detalle. Entre ellos, Esther Ferrer con Àngels Barcelona, ​​José Carlos Martinat con Revólver o Mónica de Miranda con Carlos Carvalho.
El espacio dedicado a galerías jóvenes, que este año celebra su segunda edición, presentará 12 proyectos nuevamente seleccionados por el comisario João Laia. Las nuevas salas son tanto de Lisboa, con la presencia de un balcón y lulik, e internacional, como Rolando Anselmi (Berlín / Roma), Bombón (Barcelona) o Copperfield (Londres).

Más información:

http://www.ifema.es/arcolisboapr_01/Informacion_general/VisitarARCOlisboa/index.htm

Caspar David Fiedrich

 Un 7 de mayo de 1840 moría en Dresde Caspar David Fiedrich (nacido el 05.09.1774 en Greifswald), el pintor paisajista y romántico alemán más importante del siglo XIX. Es conocido por sus paisajes alegóricos de su periodo medio que muestra figuras contemplativas opuestas a cielos nocturnos, nieblas matinales, árboles estériles o ruinas góticas. Su interés primario como artista era la reflexión de la naturaleza, su trabajo a menudo simbólico y anti clásico intenta dar una respuesta subjetiva y emocional al mundo natural. Las pinturas de Friedrich establecen la presencia humana en una perspectiva disminuida en contraste a extensos paisajes, reduciendo las proporciones a una escala que, según el historiador de arte Christopher John Murray «dirige la mirada del espectador hacia su dimensión metafísica»


https://es.wikipedia.org/wiki/Caspar_David_Friedrich

Las piezas estrella de la colección Rockefeller.

Varias generaciones de la familia Rockefeller han reunido y coleccionado cientos de objetos y obras de arte que ahora salen a subasta a través de la galería de subastas Christie's que la presenta bajo el título, The Collection of Peggy and David Rockefeller. La colección refleja la pasión familiar por el coleccionismo y el arte en general, con abundantes piezas de arte asiático, americano y europeo, así como arte decorativo chino, japonés, coreano, porcelanas europeas, etc.  Todo el beneficio económico que se alcance con la subasta será destinado a financiar las actividades filantrópicas de las fundaciones de la familia Rockefeller por todo el mundo, destinadas a promover la investigación la salud y el desarrollo.

Christie’s, VistaJet, son los patrocinadores de los actos y exposiciones relacionados con la colección en Hong Kong, London, Los Angeles y New York y Christie's International Real Estate, el patrocinador de la exposición en Nueva York.

Entre las principares piezas destacan la pintura de Picasso "Fille à la corbeille fleurie" (154x66 cm.) óleo sobre lienzo de 1905, comprado ese mismo año por Gertrude Stein, hasta que en 1968 fue adquirido por David Rockefeller, para colocarlo en la biblioteca de su residencia en la calle 65 de Nueva York. "Odalisque couchée aux magnolias" (60,5x81cm) óleo sobre lienzo de Henri Matisse, pintado en Niza en 1923, Henriette Derricarrere, la modelo favorita del artista posó para el cuadro. "Exterieur de la Gare Saint-Lazare, effect de soleil" (61,3x80,7cm) óleo sobre lienzo de Claude Monet, está pintado en París en 1877, y refleja la importancia de la industrialización en la capital francesa, con el ferrocarril como actor principal. "La table de musicien" de Juan Gris (82x60,5cm) técnica mixta sobre lienzo, collage, carboncillo, gouasch y óleo se conjugan en esta obra del maestro cubista.

Más info:

https://www.christies.com/auctions/rockefeller

Próxima subasta de Christie's de arte de Post-guerra centroeuropeo.

El próximo 23 y 24 de abril la galería de subastas Christie's ha anunciado la celebración de una subasta en Amsterdam, coincidiendo con el 70 aniversario del grupo Cobra, en la que una selección de trabajos de artistas significativos de dicho moviento como  Karel Appel, Asger Jorn, Carl-Henning Pedersen y Enrico Baj, entre otros.
Además se incluirán trabajos de dos importantes colecciones holandesas, la de Martin Visser, con trabajos en papel de Jean Michel Basquiat y Georg Baselitz y de la colección Triton, con una pintura de Robert Zandvliet. Además la subasta contará con obras de artistas alemanes como A.R. Penck, Günther Förg y Sigmar Polke.

 https://www.christies.com

Colección fotográfica online del museo Albert-Kahn

Georges Chevalier, 21.05.1917. Mujeres cargando sal. A Coruña, España

Bajo el nombre de "Los archivos del Planeta" el museo francés Albert-Kahn ofrece online su valiosa colección de fotografías en color desde 1917. Aqui se reproducen en media definición los fondos iconográficos y la documentación asociada, con fines informativos, pedagógicos, culturales y científicos.
El conjunto de obras están geolocalizada y clasificadas por temas, con más de 55000 imágenes disponibles desde el 2016. El departamento al que pertenece el museo Hauts-de-Seine, ha definido unas condiciones de reutilización de las imágenes mediante una licencia específica, que básicamente permite su uso para fines no comerciales, sin modificar las imágenes ni los textos asociados.
Un tesoro gráfico disponible para todos.

http://albert-kahn.hauts-de-seine.fr/archives-de-la-planete/collections-en-ligne/